図形図 - Figure drawing - Wikipedia

ウィキペディア、フリー百科事典から

Pin
Send
Share
Send

A 図形描画 さまざまな形の人間の形を描いたものであり、 姿勢 図面のいずれかを使用して メディア。この用語は、そのような お絵かき。表現の程度は、非常に詳細で解剖学的に正しいレンダリングから、ルーズで表現力豊かなスケッチまでさまざまです。 「生命の絵」とは、生き物を観察して描いた人物画です。 モデル。図形描画は、構成された芸術作品または フィギュアスタディ 絵画などのより完成した作品の準備のために行われます。[1] 図形描画は間違いなく最も難しい主題です アーティスト 一般的に遭遇し、コース全体が主題に専念しています。人間の姿は視覚芸術の中で最も永続的なテーマの1つであり、人間の姿は 肖像画, , 彫刻, 医療イラスト、およびその他のフィールド。

アプローチ

アーティストは、人間の姿を描くためにさまざまなアプローチを取ります。彼らはライブモデルまたは写真から描くかもしれません、[2] 骨格モデルから、または記憶と想像力から。ほとんどの指導は、「ライフドローイング」コースでのモデルの使用に焦点を当てています。写真参照の使用-の開発以来一般的ですが 写真撮影—被写体の動的な側面を捉えることができない「フラットな」画像を生成する傾向があることで、しばしば批判されたり、落胆したりします。想像力から描くことは、それが奨励する表現力でしばしば称賛され、芸術家の知識の欠如または人間の姿を視覚化する際の限られた記憶によってもたらされる不正確さについて批判されます。他の方法でのアーティストの経験は、このアプローチの有効性に大きな影響を与えます。

画像を作成する際に、一部のアーティストは、体の表面の明るい値と暗い値の相互作用によって作成された形状に焦点を当てます。他の人は、内部を概算することから始めて、解剖学的アプローチを取ります スケルトン 図の、内臓とオーバーレイ 筋肉組織、そしてそれらの形を皮膚で覆い、そして最後に(該当する場合)衣服;人間の内部解剖学の研究は、通常、この技術に関与しています。別のアプローチは、体を大まかに構築することです 幾何学的 次に、頭蓋骨の球体、胴体の円柱などの形状を改良して、人間の形にさらに近づけます。

視覚的な参照なしで(または自分の仕事をチェックする手段として)作業している人のために、 一般的に推奨される比率 図の描画は次のとおりです。[3]

  • 平均的な人の身長は一般的に7.5頭(頭を含む)です。これは、紙皿を使って教室の生徒に体の長さを視覚的に示すことで説明できます。
  • 貴族や優雅さの印象に使用される理想的な人物は、8頭の高さで描かれています。
  • 神々やスーパーヒーローの描写に使用される英雄的な人物は、身長が8.5頭です。追加の長さのほとんどは、より大きな胸とより長い脚から来ています。

これらの比率は、立っているモデルに最も役立ちます。紹介するポーズ 短縮 さまざまな体の部分のそれらが異なる原因になります。

メディア

座っている女性、黒いクレヨンで描く、の学校 レンブラント (17世紀)

ザ・ フレンチサロン 19世紀にの使用を推奨しました コンテ ワックス、オイル、顔料のスティックであるクレヨンと、特別に調合された紙を組み合わせたもの。消去は許可されませんでした。代わりに、アーティストは、より暗く、より目に見えるマークを作成する前に、明るいストロークで図を説明することが期待されていました。

による図の描画 ロヴィス・コリント。 1925年以前

人気のある現代の技術は、 木炭 特別なブドウの木から作られたスティックと、より粗い形の紙。木炭は紙に緩く付着しているため、非常に簡単に消去できますが、最終的な描画は、木炭がこすれないようにスプレー式の「固定剤」を使用して保存できます。より硬い圧縮された木炭は、より慎重で正確な効果を生み出すことができ、段階的なトーンは、指またはと呼ばれる円筒形の紙の道具で汚すことによって作り出すことができます。 切り株.

グラファイトペンシルは、図の描画にも一般的に使用されます。この目的のために、アーティストの鉛筆は、9B(非常に柔らかい)から1B(中程度の柔らかい)、および1H(中程度の硬さ)から9H(非常に硬い)までのさまざまな配合で販売されています。木炭のように、切り株を使って消したり操作したりすることができます。

インクも人気のある媒体です。アーティストは、多くの場合、図面をスケッチまたは輪郭を描くためにグラファイト鉛筆から始め、最終的な線画は、油性インクを使用したペンまたはブラシで行われます。インクを水で希釈してグラデーションを作成することができます。これは、インクウォッシュと呼ばれる手法です。鉛筆の跡は、インクを塗った後に消すか、濃いインクで鉛筆の跡を残しておくことができます。

一部のアーティストは、鉛筆スケッチを作成せずに直接インクで描画し、間違いを修正する能力を制限するという事実にもかかわらず、このアプローチの自発性を好みます。 マティス このように働いたことが知られているアーティストです。

の好ましい方法 ヴァトー と他の17世紀と18世紀の芸術家 バロック そして ロココ 時代は、白と黒の中間の色調の地面から始まり、ペンとインクまたは「クレヨン」を使用して、黒の陰影と白のハイライトを追加することでした。

歴史

先史時代から人物像がドローイングの対象となってきました。古代の芸術家のスタジオでの実践は主に推測の問題ですが、彼らがしばしばヌードモデルから描いてモデル化したことは、彼らの作品の解剖学的な洗練によって示唆されています。に関連する逸話 プリニー 方法を説明します ゼウクシス の若い女性をレビューしました アグリジェント 理想的なイメージを描くために彼が組み合わせる機能を5つ選択する前に裸で。[4] 中世の芸術家のワークショップでのヌードモデルの使用は、 チェンニーノ・チェンニーニ、およびの原稿 ヴィラール・ド・オネクール 人生からのスケッチは13世紀に確立された慣習であったことを確認します。[4] カラッチ、彼らを開いた人 アカデミアデッリインカムミナティ 1580年代のボローニャでは、人生を中心的な分野に描くことで、後の美術学校のパターンを設定しました。[5] トレーニングのコースは、彫刻のコピーから始まり、石膏の型からの描画に進み、その後、学生はライブモデルからの描画のトレーニングを受けました。

18世紀後半、 ジャック=ルイ・ダヴィッドのスタジオは厳格な指導プログラムに従いました。絵を描くことの習得は、絵を描くための前提条件と考えられていました。生徒たちは毎日約6時間、同じポーズを1週間続けたモデルから描きました。[6] 「ジャック=ルイ・ダヴィッドによるもののような18世紀のドローイングは、通常、白のハイライトと暗い地面を備えた赤または黒のチョークで着色された紙に描かれました。モデルのポーズは活発になる傾向がありました。モデルの体を綿密に観察することは、彼のジェスチャーのレンダリングの二次的なものであり、学術理論と一致する多くの図は、特定の体や顔ではなく、代表的な図を示しているようです。 19世紀[...]は通常、白い紙に黒チョークまたは木炭で描かれ、ライブモデルの体の特殊性と特異性を細心の注意を払って描写されています。アーティストの手の証拠は最小限に抑えられていますが、リクライニングまたは座ったポーズです。まれで、立っているポーズでさえ比較的静的です...」 [7] 19世紀後半以前は、女性は一般的に図形描画のクラスに参加できませんでした。[8]

アカデミーフィギュア

アン アカデミーフィギュアお絵かき, ペインティング または 彫刻 文字通りの方法で、 裸の人体 通常は半減期のライブモデルを使用します。[要出典]

これは、学生に必要な一般的な演習です。 美術学校 そして アカデミー、過去と現在の両方で、それ故に名前。[9]

女性

新古典主義の画家による超越したアカデミーの姿 ピエール・シュブレイラス

歴史的な説明は、志望するためのヌードモデルを明らかにします 女性アーティスト ほとんど利用できませんでした。女性がヌードモデルから勉強することは不適切であり、おそらく危険でさえあると考えられていたため、女性は特定の施設から締め出されました。[10] 男性は男性と女性の両方のヌードにアクセスできましたが、女性はキャストとモデルから解剖学を学ぶことに限定されていました。女子学生がロンドンのロイヤルアカデミーでの人生の絵へのアクセスを許可されたのは1893年まででした。[11] それでも、モデルは部分的にドレープする必要がありました。[12]

ヌードフィギュアへのアクセスが制限されているため、女性アーティストのキャリアと成長が妨げられていました。最も権威のある絵画の形式は、女性に体系的に否定された解剖学の深い知識を必要としました、[12] それによって、次のようなあまり評価されていない形式の絵画に追いやられました ジャンル, 静物, 風景 そして 肖像画。に リンダ・ノックリンのエッセイ「なぜ偉大な女性芸術家がいないのか」彼女は、女性が裸体画を描くことへのアクセスが制限されていることを、女性の芸術的発展に対する歴史的に重要な障壁として特定しています。[12]

現代スタジオ指導

足を組んで座っている男の絵
によるヌード研究 アンニーバレ・カラッチ

図形描画命令はほとんどの要素です 美術品 そして プログラム。 イタリアの美術アカデミー 持っている scuola libera del nudo (「ヌードのフリースクール」)これは学位プログラムの一部を形成しますが、外部の学生にも開放されています。[13] 典型的な人物画スタジオの教室では、生徒は半円または完全な円のいずれかでモデルの周りに座ります。 2人の学生がまったく同じビューを持っているわけではないため、彼らのドローイングは、モデルに対するアーティストのユニークな場所の視点を反映します。モデルは、生徒が遮るもののない景色をより簡単に見つけられるように、スタンドにポーズをとることがよくあります。ポーズの種類によっては、家具や小道具を使用する場合があります。これらは通常、アーティストに見える範囲で図面に含まれています。ただし、目的が環境内の図の配置について学習することでない限り、背景は通常無視されます。個々のモデルが最も一般的ですが、より高度なクラスでは複数のモデルを使用できます。多くのスタジオは、さまざまな照明の配置を可能にするために装備されています。

大学レベルで教えられるとき、図形描画モデルはしばしば(常にではありませんが) ヌード (小さな宝石、小道具、その他の目立たないアイテムは別として)。ポーズをとっている間、モデルは通常完全に静止しているように要求されます。これを長期間行うことは困難であるため、モデルを休ませたり伸ばしたりするための定期的な休憩は、通常、より長いセッションやより難しいポーズに含まれます。

図形描画セッションの開始時に、モデルは、一連の短いポーズをすばやく連続して作成するように要求されることがよくあります。これらはジェスチャポーズと呼ばれ、通常はそれぞれ1〜3分です。 ジェスチャー描画 これは多くのアーティストにとってウォームアップの演習ですが、一部のアーティストはすべての図の描画の最初のステップとしてジェスチャーをスケッチします。[14] これらの幅広いストロークは、手首をフリックするだけでなく、腕全体を使用してモデルの動きをキャプチャすることによって実行されます。また、アーティストが紙ではなくモデルに集中できるようにするのにも役立ちます。人体に関しては、アーティストは痛々しいほど批判的です。静物のプロポーションは、本物に見えるように完全に描く必要はありませんが、人間のプロポーションのわずかな誤差でも簡単に検出できます。

現代および現代のアーティストは、モデルのポーズのジェスチャーまたは知覚されたムードを強調するために、プロポーションを誇張または歪曲することを選択できます。結果は完成したアートワークと見なすことができ、アーティストのフィギュアの描画経験に対する主題、観察、感情、マーク作成の両方の応答を表現します。

解剖学は、ライフクラスの最初のレベルの懸念にすぎません。 フィギュアグラウンド 関係や構成の他の側面も考慮されます。構図のバランスはより重要になり、したがって人生を描くことを通してより理解されます。アーティストの 運動感覚 ポーズへの反応と、これがアートメディアの選択を通じてどのように伝えられるかは、より高度な関心事です。図形描画クラスの目的は、あらゆる種類の人間、あらゆる年齢、形、および美しいモデルやモデルを選択するのではなく、通常、民族性が求められます 「理想的な」数字。一部のインストラクターは、ファッション写真家が好む種類のモデルを避け、より「現実的な」例を求め、性的対象化の影響を避けようとしています。インストラクターは、提供する独自の輪郭や表面の質感に基づいて、特定の体型のモデルを好む場合もあります。採用されるモデルの種類は、長期間ポーズをとる必要性(落ち着きのない子供や虚弱な高齢者を排除する)、およびモデルがヌードポーズをとるときの謙虚さと合法性の懸念(未成年者の使用を制限する)によって制限される場合があります。

も参照してください

ノート

  1. ^ ベリー、Ch。 8 –「準備としての描画」
  2. ^ モーリーン・ジョンソン&ダグラス・ジョンソン(2006)。 アートモデル:ドローイング、ペインティング、スカルプティングのためのライフヌード。ライブモデルブック。 ISBN 978-0976457329.
  3. ^ Devin Larsen(2014年1月19日)。 「人体の標準的な比率」. Makingcomics.com。取得 9月6日 2020.
  4. ^ a b 厳密にアカデミック 1974年p。 6.6。
  5. ^ 厳密にアカデミック 1974年、p。 7。
  6. ^ 厳密にアカデミック 1974年、p。 8.8。
  7. ^ S.ウォーラー、モデルの発明:パリのアーティストとモデル、1830-1870。 2016年、5ページ。
  8. ^ 厳密にアカデミック 1974年、p。 9.9。
  9. ^ Claude-Henri Watelet、«Académie»および«Modèle»、dansEncyclopédieméthodique。 Beaux-arts、パリ、Panckoucke、1791年。出典は fr:Académie(デッサン)
  10. ^ マイヤーズ、ニコール。 「19世紀フランスの女性アーティスト」。メトロポリタン美術館。
  11. ^ レビン、キム。 「ARTnewsのトップ10ストーリー:隠されたものを公開する」彼'"。 ArtNews。
  12. ^ a b c リンダ・ノックリン。 「なぜ偉大な女性芸術家がいないのですか?」 (PDF).
  13. ^ マッジョーリ(2013)。Codice delle leggi della scuola、pp。829–830。 ISBN 8838778639 (イタリア語で)
  14. ^ アートモデルのハンドブック http://www.artmodelbook.com

参考文献

  • ベリー、ウィリアムA.(1977)。 人間の形を描く:人生から描くためのガイド。ニューヨーク:Van Nortrand Reinhold Co. ISBN 0-442-20717-4.
  • クラーク、ケネス(1956)。 ヌード:理想的な形での研究。プリンストン:プリンストン大学出版局。 ISBN 0-691-01788-3.
  • ジェイコブス、テッドセス(1986)。 心を開いて描く。ニューヨーク:Watson-GuptillPublications。 ISBN 0-8230-1464-9.
  • ニコライデス、キモン(1969)。 自然な描き方。ボストン:ホートンミフリン社。 ISBN 0-395-20548-4.
  • ニューヨーク州立大学ビンガムトン校、フィンチカレッジ、スターリングアンドフランシーヌクラークアートインスティテュート(1974年)。 厳密にアカデミック:19世紀の人生を描く(展覧会カタログ)。ビンガムトン:ニューヨーク州立大学。 OCLC 5431402.CS1 maint:複数の名前:作成者リスト(リンク)
  • スタインハート、ピーター(2004)。 服を脱いだアート:なぜ私たちが描くのか。ニューヨーク:アルフレッドA.クノフ。 ISBN 1-4000-4184-8.
  • テイスト、ブリジット(1992)。 Modell Gehen. ISBN 3-88842-601-4.

外部リンク

Pin
Send
Share
Send